“La Gaia Madre” è una mostra di arti visive e performative in esposizione nella Sotterranea Nuova del Castello di Vigevano, dal 1° al 17 maggio, organizzata dal collettivo Evuz Art e curata da Fortunato D’Amico. Il progetto mette in primo piano il rapporto tra umanità e pianeta a partire da una visione critica dell’ecologismo contemporaneo: la Terra è evocata come madre generativa e al tempo stesso ferita, corpo sfruttato e superficie ridotta a merce, fino a rivelare il suo volto di “Infelice Madre”, esposta a economie predatorie e retoriche che mascherano il saccheggio del vivente. L’esposizione adotta uno sguardo interdisciplinare sui sistemi di relazione tra ambiente, società, tecnologia e modelli di produzione, narrando la Madre Terra nella sua dimensione archetipica ma anche dentro reti di processi materiali, cicli biologici, infrastrutture, conflitti geopolitici ed economie estrattive. L’arte assume una funzione civile e conoscitiva: opere, performance e materiali documentari sono chiamati a rendere percepibili le emergenze del presente e a riattivare consapevolezza verso il pianeta e chi lo abita.Tre sono gli assi narrativi:
Terra corpo vivente, che mette a fuoco l’organismo materiale attraversato da crisi climatica, sfruttamento delle risorse e tecnologie di controllo;
Terra spazio delle comunità, che guarda ai territori abitati, alle pratiche di cura, alle migrazioni e alle disuguaglianze;
Terra matrice simbolica e relazionale, che esplora la dimensione spirituale, mitica e affettiva del legame tra umano e pianeta. In questo quadro, Gaia Madre enuncia anche il proprio contrario, diventando Infelice Madre: madre generativa ma insieme corpo sfruttato, esposto a narrazioni consolatorie che coprono la violenza sistemica e l’egocentrismo umano.
L’allestimento è concepito come una sorta di cattedrale laica, che articola dimensione sacra e ambito profano in una sequenza narrativa progressiva. I percorsi guidano il pubblico da aree legate alla materialità della Terra, verso zone dedicate alle pratiche simboliche, rituali e cosmologiche, intrecciando conoscenza empirica e visione spirituale.Lo spazio espositivo favorisce una lettura stratificata: dati, opere visive, installazioni materiche, performance rituali e archivi documentali convivono in un ambiente pensato per un attraversamento lento, segnato da diversi fuochi di attenzione. La progressione degli spazi attiva una narrazione che tiene insieme dimensione ambientale, sociale e mitologica, ampliando la percezione del pianeta dal dato geologico alle cosmologie culturali, dalle economie terrestri alle pratiche di cura del vivente.
GLI ARTISTI
Giò Cacciatore –Carlo Caldara- Gero Canalella- Giuliana Consilvio- Mario De Leo – Giulietta Faccioli – Max Falsetta Spina – Antonella Gerbi – Giuse Iannello – Valerio Incerto- Lorenzo Lucatelli – Davide Macaluso – Max Marra – Paolo Matteucci – Veronica Menchise- Luca Paladino – Nik Palermo – Nadia Pelà – Mauro Pinotti – Marco Raimondo – Paola Rizzi – Giovanni Ronzoni – Pierangelo Russo – Alex Sala – Agata Sand – Jessica Ticozzelli – Elisabetta Ubezio – Valeriangelini – Isabella Vierzi.
L’ APOKÁLYPSIS DI MAX FALSETTA SPINA A TIMES SQUARE
Max Falsetta Spina porta “Apokálypsis” nel cuore pulsante di Times Square, su uno degli schermi più iconici del pianeta, campo di sperimentazione artistica dove arte, cinema e intelligenza artificiale si incontrano. Dal 13 al 15 maggio 2026, all’altezza tra 7th Avenue e 42nd Street, un teaser di 20 secondi del suo nuovo cortometraggio invade il flusso visivo della comunicazione pubblicitaria globale, interferendo con esso e riconfigurandolo con un apropria narrativa Per Max Falsetta Spina “Apokálypsis” è un processo di rivelazione di ciò che era nascosto e ora diventa visibile. Attraverso immagini ad alta intensità evocativa, l’opera affronta i temi del potere, della percezione e della realtà, attraversata da archetipi e simboli universali. Numeri e figure assumono valore concettuale. Il nuemro dela Bestia, 666, è la manifestazione sistemica del potere, mentre i quattro cavalieri (guerra, carestia, conquista e morte) appaiono come condizioni permanenti della storia umana. La Bestia è una struttura invisibile, strumento di consenso che invade la società dei media. Il progetto si articola su due livelli: il teaser di 20 secondi, pensato specificamente per i grandi billboard digitali Dooh e un cortometraggio di 6 minuti che ne sviluppa la trama visiva in forma compiuta. L’intera opera è realizzata con intelligenza artificiale, a partire da prompt originali e da una precisa regia di inquadrature, tempi e atmosfere.
L’AI viene utilizzata strumento di un linguaggio profondamente autoriale, in continuità con il percorso artistico di Falsetta Spina, scenografo e fotografo. Si riconoscono l’attenzione alla composizione, la cura della luce, la costruzione dello spazio e un respiro cinematografico costante. La scelta di Times Square è parte integrante del concep critico con cui è costruita l’opera. In un luogo-simbolo della sovrapproduzione di immagini e della pressione pubblicitaria, Apokálypsis è una frattura, un’interferenza che rompe la continuità del messaggio commerciale e diventa così un campo di tensione tra consumo e visione, tra intrattenimento e rivelazione, invitando lo spettatore urbano a un gesto inatteso: alzare lo sguardo e interrogare ciò che vede. Dopo New York, il progetto proseguirà a Milano nell’autunno 2026, con una mostra in una location di forte impatto. Qui il cortometraggio sarà affiancato da una trentina di scene tratte dal film, trasformate in tele.
Il passaggio dal flusso luminoso del display alla fisicità della pittura sposta il dialogo dall’immagine digitale all’opera materica, accentuando la percezione del rapporto tra movimento e la sua fissazione e amplificando i significati che si generano tra visione pubblica ed esperienza ravvicinata.Apokálypsis si inserisce all’interno di Over The Rainbow, piattaforma internazionale ideata da Max Falsetta Spina che esplora i circuiti Dooh come nuovi spazi espositivi per l’arte contemporanea, ridefinendo i confini tra ambito pubblicitario e ricerca artistica. “L’Apocalisse non è la fine del mondo” dichiara l’artista. “È la fine dell’illusione. È il momento in cui ciò che è nascosto diventa visibile.
Designer di successo, Franco Perrotti ha firmato arredi e progetti per i più grandi brand del design internazionale ma in contemporanea ha avviato una ricerca artistica personale che lo ha condotto verso installazioni e sculture di grande impatto, capaci di affrontare temi profondi, anche politici e sociali. Nella mostra curata da Fortunato D’Amico “Franco Perrotti: From Object to Vision”, di scena in MyOwnGallery, design, arte e artigianato si intrecciano fino a diventare un unico linguaggio espressivo, un dialogo continuo tra funzione e percezione, tra artificio e natura. Superfici, luci e sedute abbandonano la funzione per diventare “visione”. Non sono più solo arredi, ma ponti tra corpo e ambiente, bussole che orientano il nostro comportamento collettivo. Cuore pulsante della mostra è “Dissuader” collocato all’esterno nella Piazza dell’Arte, un monumentale piccione metallico trafitto da punte e sospeso in aria, simbolo potente delle barriere invisibili che disciplinano le nostre città. A dialogare con esso, la sua controparte in legno lamellare, adagiata a terra. In un cielo ormai saturo di droni e satelliti, l’opera di Perrotti ci invita a riflettere, trasformando il progetto tecnico in una responsabilità etica condivisa. L’arte diventa così una pratica consapevole dell’abitare, un invito a riscoprire la bellezza della condivisione e della relazione. La forma smette di essere solo struttura e diventa espressione di una nuova coscienza del vivere contemporaneo.
Con il patrocinio di: Segretariato Permanente dei Premi Nobel per la Pace, ALA – Assoarchitetti & Ingegneri. In collaborazione con Nesite, Brondelloerminio, Quadruslight.
Il Teatro Olimpico di Vicenza, come è noto, è l’ultima opera di Andrea Palladio, che non ne ha visto la realizzazione e per la quale Vincenzo Scamozzi ha progettato la magnifica scena per l’Edipo Re di Sofocle e che, nata effimera nel 1585 per inaugurare il Teatro, fa ancora mostra di sé e da sfondo a tanti spettacoli, ancora oggi dopo ben cinque secoli.
In tempi recenti si è riscoperto fortuitamente nei magazzini Comunali un grande manufatto del 1948, del quale negli ultimi decenni si era quasi perduta la memoria: il così detto Olimpichetto, ovvero la ricostruzione della scena del Teatro Olimpico, realizzata nel 1948 in scala quasi reale. Da qui nasce l’iniziativa di realizzare un Mostra, promossa dal Comune di Vicenza con la co-organizzazione di Intesa Sanpaolo ed è curata da Musei Civici Vicenza, Fondazione Teatro Comunale Città di Vicenza e Centro Internazionale di Studi di Architettura Andrea Palladio.
L’Olimpichetto, ideato dal regista teatrale Guido Salvini, è realizzato con materiali leggeri e pensato per essere smontata, trasportata e rimontata. Una macchina scenica di straordinaria raffinatezza e qualità, concepita per riprodurre in ogni luogo l’atmosfera del teatro palladiano. Salvini ne promosse la costruzione mentre preparava la messa in scena proprio dell’Edipo Re, rappresentato nel settembre 1948, come primo grande evento teatrale del dopoguerra vicentino. Con la stessa scenografia e parte della medesima troupe – la compagnia teatrale italiana della Biennale di Venezia, che annoverava interpreti affermati e giovani promettenti come Vittorio Gassman e Nino Manfredi – Salvini portò la produzione in tournée a Londra e Parigi, offrendo all’Europa l’immagine rinnovata di un’Italia che riscopriva il proprio genio teatrale e architettonico. Olimpichetto fu, a tutti gli effetti, un teatro palladiano itinerante: l’unico mai realizzato, la cui storia si intreccia con la volontà di rinascita artistica e civile di un Paese e di una città che uscivano dalle rovine del conflitto.
Nel corso del 2025 il Comune ha commissionato ad Engim un attento lavoro di restauro dell’Olimpichetto e ha avviato una rigorosa indagine documentaria preliminare negli archivi, integrata da testimonianze dirette, che ha permesso di ricostruirne la genesi, i percorsi delle tournée e la ricezione critica, restituendo un quadro sorprendentemente vitale della cultura teatrale del dopoguerra.
A fine 2025 lo Studio Gabbiani è stato invitato dal Comune di Vicenza a progettare un allestimento che ospitasse l’Olimpichetto all’interno del Salone della Basilica Palladiana e ne raccontasse la storia, sotto la guida di Valeria Cafà, dirigente dei Musei Civici e regista di questa ambiziosa iniziativa.
La sfida era creare non solo un racconto, ma riproporre un piccolo universo nel quale un’architettura compiuta fosse contenuta in una ulteriore architettura compiuta, generando un’alchimia nuova di rimandi tra i dettagli autentici della Basilica e quelli in riproduzione della scena, tra la felice proporzione delle logge della Basilica e gli archi e le vie di Tebe. Il tutto poi intrecciato al fattore tempo, in cui la prima e l’ultima opera di Palladio entrassero in un gioco circolare di rimandi che ricomponessero un ciclo creativo.
Si trattava quindi di dare vita a questa straordinaria convergenza di forme, contenuti e intenzioni.
Questa mostra è l’occasione per svelare al pubblico la macchina della finzione, di poter vedere il portento di ciò che sta dietro alla scena, un’occasione unica di poter girare attorno ad essa, in un percorso di solito precluso agli spettatori, ai quali di prassi si offre lo spettacolo della finzione. L’allestimento propone l’esperienza dello spettacolo del saper costruire, del saper ingannare l’occhio e del saper accendere la fantasia, pur nella sospensione dell’incredulità.
Si doveva inserire una scena di poco inferiore a quella originale, lunga 16 metri e alta 8, una struttura all’interno di un salone di 19 metri di larghezza e 16 di altezza, con ampie finestre e aldilà di esse, una splendida architettura di pietra di Piovene, candida e in continuo gioco con la luce. Lunghe discussioni hanno portato a privilegiare la luce naturale e il rapporto di questa quinta con il suo contenitore, per creare una scena inedita e sempre cangiante, venendo anche in contrasto anche con l’idea delle mostre corrente, di un controllo totale della luce artificiale e accettando il naturale e la sua mutevolezza. Anche grazie alla collaborazione con Mario Nanni, che ha letteralmente “scritto le luci” e con il curatore Ivan Stefanutti, che ha fatto un enorme e colto lavoro di ricerca e ha dettato una trama sicura e coerente, ne è emersa la visione di un organismo vivente in dialogo continuo con il luogo, i visitatori, il tempo e la storia.
Restava poi il tema del racconto dell’avventura della costruzione di questa riproduzione, dei suoi viaggi in tutto il mondo e delle tante storie dei protagonisti che ne hanno calcato la scena.
Lo sforzo è stato quello di snodare un racconto coerente che fosse anche esso parte di uno spettacolo e di una scena e non creasse una crasi rispetto all’esperienza di stupore che l’Olimpichetto determina. Di qui la scelta di restaurare ed esporre i costumi originali – ancora custoditi dall’Accademia Olimpica e sapientemente restaurati da Paola Girardi – come fossero attori e protagonisti che guardano la scena nei loro splendidi colori e tessuti. A partire da Edipo naturalmente, che con il suo vivido mantello rosso ad inizio percorso accoglie visitatori e fa da tramite verso una Tebe, che si palesa come una vera città, senza sipario.
In tale ottica lo Studio ha concepito tutto l’allestimento, anche grazie a Studio Mama che ha curato la grafica, secondo un sistema di quinte, che dialogano da un lato con il mondo del teatro e che dall’altro attraverso differenti altezze, volumi e colori, richiamano il tema delle due città, quella reale fuori dal salone e quella della finzione nel salone. Cerniera e sintesi di tutto, la Basilica Palladiana.
Per tutta la durata della mostra l’Olimpichetto, rispettando la propria vocazione, ospiterà spettacoli, concerti, conferenze, secondo un ricco programma, perché questa non è soltanto una mostra.
Credits
Direzione: Valeria Cafà, Musei Civici
Curatela: Ivan Stefanutti
Progetto Allestimento: Studio Gabbiani & Associati
La luce è stata scritta da marionanni
Progetto grafico: Studio Mama
Crediti fotografici: Studio Gabbiani & Associati
Marcella Gabbiani
Marcella Gabbiani, laureata a Venezia allo IUAV, si occupa, attraverso la professione di architetto e un’intensa attività culturale e associativa, della promozione dell’architettura e dell’interazione tra diverse discipline e arti. Titolare dello Studio Gabbiani & Associati, si occupa di progetti integrati di grandi strutture, abitazioni, allestimenti, oltre che di restauro e di progetto urbano.
Dedica particolare attenzione al tema dell’inclusione e dell’accessibilità intesa in senso lato, attraverso il Design for All, un approccio progettuale che fa degli utilizzatori il centro della progettazione. È direttore del Premio Internazionale Dedalo Minosse alla Committenza di architettura.
Box
Ilaria Fantin _ Assessore alla cultura, al turismo e all’attrattività della città di Vicenza
“L’emozione di accedere ai depositi comunali insieme a ENGIM e, successivamente, con la Soprintendenza, e di scoprire l’eccezionale stato di conservazione dell’Olimpichetto dopo tanti anni di riposo, si è trasformata subito nella consapevolezza di avere tra le mani una storia straordinaria da raccontare alla città e ai turisti: quella della grande tournée dell’Olimpichetto, una parentesi di storia mai narrata prima.
Lo abbiamo affrontato come si fa con un’opera d’arte: non a caso IUAV ne ha realizzato rilievi e studi approfonditi. Eppure l’Olimpichetto è soprattutto una macchina scenica da viaggio, un oggetto unico e speciale che ha portato Vicenza e Palladio nel mondo.
La Basilica Palladiana si è rivelata il luogo ideale per ospitarlo, quasi a ricordare che, prima della costruzione del Teatro Olimpico, proprio la Basilica accoglieva apparati scenografici effimeri. L’esposizione sta regalando grandi soddisfazioni e un riscontro straordinario: ad oggi oltre 25.000 persone hanno potuto ammirare l’Olimpichetto e l’allestimento della mostra-racconto.
Il commento più ricorrente e sentito è che l’Olimpichetto sembra essere nato per ospitare spettacoli sotto la carena della Basilica Palladiana!”
Galata Musei del Mare, Geneva – dal 6 febbraio al 5 marzo 2026
Inaugurazione: giovedì 5 febbraio 2026, ore 17:00.
Dal 5 febbraio al 5 marzo 2026, il Galata Museo del Mare ospita la mostra Cucire il mondo, progetto dell’artista Luigi Dellatorre (Movimento Arte Etica), a cura di Sandro Orlandi Stagl. L’esposizione presenta una selezione di opere realizzate negli ultimi anni dall’artista, su tela jeans, materiale simbolico scelto da Dellatorre per la sua forte valenza universale: nato come tessuto da lavoro e divenuto emblema di condivisione culturale, il denim diventa nella sua opera la “pelle del mondo”, metafora di un pianeta da ricucire e rigenerare. Il progetto Cucire il mondo nasce da una riflessione profonda sui grandi temi contemporanei – migrazioni, crisi ambientali, conflitti, disuguaglianze e responsabilità collettiva – e trasforma l’umile atto del cucire in gesto artistico e simbolico di connessione. Le cuciture presenti nelle opere non rappresentano semplici mappe, ma astrazioni poetiche che evocano l’unità, la fragilità e l’instabilità di un mondo interconnesso, invitando lo spettatore a pensare oltre i confini. Questa mostra offre al pubblico un’esperienza visiva e concettuale che unisce estetica e impegno etico, riflettendo la convinzione dell’artista che l’arte contemporanea sia uno strumento di sensibilizzazione, educazione e dialogo. Il gesto di cucire – umile, quotidiano eppure profondamente simbolico – diventa invito a considerare ciascuno di noi parte attiva nel processo globale di cura e rigenerazione del nostro pianeta.
Dove: Galata Museo del Mare, Genova – Museo dedicato alla storia e alla cultura del mare nel Mediterraneo e oltre, tra i più importanti in Italia.
Apertura mostra: 5 febbraio – 5 marzo 2026 Opening: 5 febbraio 2026, ore 17:00 La mostra sarà visitabile negli orari di apertura del Museo, offrendo a cittadini, studenti, turisti e appassionati d’arte contemporanea l’opportunità di immergersi in un percorso di riflessione su identità, relazioni e responsabilità globale.
Per maggiori informazioni: Contatti stampa: Paolo Mozzo paolo.mozzo@artantide.com +39 3471048959
Aeroporto Milano Malpensa, Terminal 1, Area Food Court
A seguito del successo della mostra tenutasi allo Sheraton di Malpensa,
Lunedì 27 ottobre 2025 alle ore 12, presso il Terminal 1 di Malpensa Area Food Court, avrà luogo l’inaugurazione della mostra personale di Silvia Rastelli dal titolo Stellar Flights. Portraits For The Four Directions, a cura di Fortunato D’Amico, da un’idea di Luciano Bolzoni. La mostra, allestita nello spazio espositivo ARTHUB disegnato dall’architetta Chiara Alberghina, sarà aperta al pubblico e visitabile tutti i giorni, 24h, fino al 7 gennaio 2026.
Ospitato da SEA Milan Airports, il progetto è altresì patrocinato e supportato dall’ass. cult. Sopramaresotto, dall’ass. cult. Pensare globalmente e agire localmente, dalla galleria d’arte L2Arte e dall’ag. di comunicazione multisensoriale UN1CA.
“Silvia Rastelli dispone i volti come mappe sensibili che aprono percorsi di orientamento umano. Le superfici lignee raccolgono tracce di tempo e restituiscono immagini che rivelano la densità culturale inscritta nei tratti delle persone. Ogni ritratto appartiene a una dimensione individuale e al tempo stesso a una costellazione collettiva.
Le quattro direzioni cardinali assumono valore di coordinate simboliche. Nord, Sud, Est e Ovest disegnano un campo dinamico che contiene forze, genealogie, energie migranti. I colori e le forme si articolano come dispositivi che guidano lo sguardo verso la pluralità dei linguaggi. Le installazioni con gli uccelli intensificano questa dinamica, generano presenze che evocano il viaggio come condizione originaria della vita.
Stellar Flights. Portraits for the Four Directions orienta un principio etico che riconosce la differenza come matrice generativa. I volti diventano segni di un sistema planetario in cui la pluralità dei tratti, delle culture e delle storie compone l’orizzonte di un presente condiviso nelle sue interconnessioni. L’arte di Silvia Rastelli è una piattaforma di incontro, lo spazio in cui la convivenza trova direzione e apre traiettorie verso una civiltà fondata sulla relazione.”
Fortunato D’Amico
Informazioni Mostra:
Aeroporto Milano Malpensa, Terminal 1, Area Food Court
Mostra Visitabile Dal 12 Ottobre 2025 Al 7 Gennaio 2026, 24h, Ingresso Libero
VICENZA BASILICA PALLADIANA | dal 12 ottobre al 2 novembre 2025
INAUGURAZIONE Sabato 11 ottobre ore 20.00
All’interno della Basilica Palladiana di Vicenza, Mater Materia è una mostra d’arte che affianca l’esposizione dei progetti del Premio Internazionale Dedalo Minosse alla Committenza di Architettura.
A cura di Fortunato D’Amico e Rosa Cascone, la rassegna collettiva espone le installazioni di Paola Greggio, Pina Inferrera, Marica Moro, Daniela Pellegrini, Antonella Quacchia, Silvia Rastelli, Ludovica Sitajolo, Chiara Vellini e Giuditta Vettese. Ogni opera è affiancata da un pannello retroilluminato che riporta soggetti fotografici realizzati dalle stesse artiste.
L’esposizione intende ripensare il mondo dell’architettura nella sua dimensione interiore e in quella più ampia e macroscopica, come spazio di trasformazione della natura in artificio e quindi in creazione, e al tempo stesso come grembo capace di accogliere e generare la vita. La materia madre è soggetto vivo e generativo.
La nuova condizione femminile, nelle sue molte sfaccettature, si esprime attraverso linguaggi dell’arte che intrecciano corpi, memorie e luoghi, dall’installazione alla fotografia, dalla tessitura alla scultura, in una prospettiva che alimenta la rigenerazione del pianeta in direzione della sostenibilità ambientale e sociale.
La mostra intreccia il linguaggio dell’architettura con le forze della materia, della matrice e della terra. L’artificio umano è il gesto creativo che trasforma i materiali della natura in spazi artificiali per custodire la vita e la memoria.
L’etica dell’esposizione richiama i progettisti e le committenze ad assumere a una responsabilità diretta verso le proprie proposte progettuali, che incidono sulla trasformazione del paesaggio, del territorio e dell’architettura, e in particolare sulle condizioni di vita degli esseri umani e delle biodiversità.
La conferenza, oltre ad approfondire i percorsi artistici, offre al pubblico una riflessione condivisa sulla visione femminile del progetto, che si intreccia con l’architettura, con le prospettive dell’Agenda 2030 e quindi anche con l’idea di una committenza etica capace di riconoscere nelle pratiche artistiche strumenti sensibili di trasformazione.
Dal 20 settembre al 26 ottobre 2025, lo Spazio [A]tmosfera di Codroipo ospita Tiliment – Tagliamento tra arte e scienza, a cura di Giacomo Bassmaji è una mostra immersiva e multidisciplinare che invita a riscoprire il Tagliamento non solo come elemento naturale, ma come patrimonio culturale, scientifico ed emotivo.
Il Tagliamento: un fiume, mille storie
La mostra “Tiliment – Tagliamento tra arte e scienza”, unisce tre artisti, Roberto Ghezzi, Eugenio Novajra e Renato Rinaldi, in un’indagine polifonica su questo fiume indomabile e identitario. Ognuno con il proprio linguaggio, ognuno a un livello diverso di immersione. Novajra lo osserva dall’alto, restituendone la struttura, l’ampiezza e la bellezza liquida attraverso fotografie e riprese aeree che rendono visibile ciò che al suolo si percepisce solo come flusso e mutamento. Rinaldi cammina lungo gli argini, ne ascolta i suoni, raccoglie memorie e voci in un paesaggio sonoro che fonde il paesaggio naturale con quello umano, evocando l’intimità, il mistero e le leggende del Tagliamento. Ghezzi, invece, vi entra fisicamente, lasciando che sia il fiume stesso a creare l’opera: nelle sue Naturografie, la tela diventa pelle viva, supporto su cui l’acqua, i sedimenti e il tempo scrivono la propria lingua silenziosa. Insieme, questi tre sguardi generano una geografia interiore del Tagliamento: non una descrizione, ma un’esperienza. “Tiliment” diventa così un dispositivo di ascolto, uno spazio liminale tra arte e scienza, tra documentazione e poesia, dove il fiume non è oggetto, ma soggetto. Un’opera collettiva che invita a riscoprire un patrimonio ambientale e culturale straordinario, fragile, da custodire. Un invito, soprattutto, a lasciare che sia la natura, per una volta, a raccontarsi da sé. Il Tagliamento non è solo un fiume, è un confine mobile, uno spazio soglia tra civiltà e natura, tra memoria e cambiamento. È il luogo in cui i friulani hanno costruito parte della propria identità, attraversato da storie intime e collettive, teatro di battaglie storiche e teatro delle prime esperienze, dei primi amori, delle prime fughe. È anche un luogo che esige rispetto e consapevolezza: le sue acque possono diventare pericolose, il suo paesaggio può ingannare. Ma è proprio in questa ambivalenza, tra bellezza e rischio, tra stabilità e mutamento, che risiede il suo fascino più profondo. “Tiliment” è anche un invito a pensare il paesaggio come luogo di responsabilità. Le opere esposte non raccontano solo l’estetica del fiume, ma ci parlano della sua vulnerabilità: l’impatto dell’uomo, il cambiamento climatico, la necessità di una tutela attiva. Il progetto si fa così narrazione ambientale, civile, politica. Un atto d’amore verso un fiume che non si lascia addomesticare, ma che chiede di essere ascoltato. E forse proprio da qui, da questo ascolto, può nascere un nuovo modo di abitare il territorio: più lento, più consapevole, più rispettoso.
Un laboratorio naturale e culturale: lo sguardo della scienza
Oltre all’approccio artistico, la mostra si arricchisce del contributo scientifico della ricercatrice Chiara Scaini, che definisce il Tagliamento un “laboratorio naturale per il mondo” e un caso di studio riconosciuto a livello internazionale.
È infatti l’unico fiume alpino europeo che ha conservato la sua morfologia naturale, ed è citato in oltre 6.000 pubblicazioni scientifiche.
È uno dei primi luoghi in cui sono stati riconosciuti scientificamente i servizi ecosistemici culturali: benefici immateriali come identità, spiritualità, educazione e ricreazione.
È un simbolo di convivenza difficile ma necessaria: molte comunità hanno dovuto adattarsi, spostarsi, ricostruire dopo le sue piene. Da qui nasce la socio-idrologia, una disciplina che analizza i fiumi non solo come entità fisiche, ma anche come spazi sociali, ecologici, etici.
Un invito all’ascolto e alla responsabilità
Come sottolinea Giacomo Trevisan, vicesindaco di Codroipo:
“Il Tagliamento è parte integrante della nostra identità. Con questa mostra vogliamo rinnovare l’impegno per la sua tutela e valorizzazione, affinché le future generazioni possano continuare a vivere in armonia con esso.”
La mostra diventa così un invito a ripensare il paesaggio come responsabilità condivisa. Le opere esposte non sono solo contemplative, ma portano in sé la consapevolezza della vulnerabilità ambientale: parlano di cambiamento climatico, impatto umano, fragilità degli ecosistemi. Un atto d’amore e, insieme, un grido d’allarme.
Programma eventi
Durante l’esposizione, sono previsti anche incontri e momenti di approfondimento:
Sabato 20 settembre, ore 21:00 Tagliamento tra ricerca scientifica e immaginario storico, artistico e culturale Con Chiara Scaini e Angelo Floramo, modera Giacomo Bassmaji Biblioteca Civica Don Gilberto Pressacco – Codroipo
Domenica 26 ottobre, ore 15:30 Finissage della mostra Tiliment – Tagliamento tra arte e scienza Spazio [A]tmosfera
A seguire, ore 16:00: Tagliamento bene comune: dall’arte all’impegno civile Con CeVI, CeFAP, Tagliamento.org e attivisti locali Biblioteca Civica Don Gilberto Pressacco
Uno spazio partecipativo
Alla fine della mostra, i visitatori troveranno una parete per lasciare post-it con riflessioni, emozioni, ricordi legati al fiume. Sarà anche disponibile un questionario per contribuire alla ricerca scientifica in corso.
Perché ogni sguardo conta. E ogni voce, come ogni goccia, costruisce il fiume.
Eugenio Novajra (1978, Torino) Fotografo professionista da oltre 30 anni. Ha esposto in tutto il mondo e vinto nel 2018 il Premio FVG Fotografia con “Berlino Altrove”.
Renato Rinaldi (1966, Codroipo) Compositore, attore, autore radiofonico. Lavora tra suono, ambiente e voce. Collabora con Radio Rai, portando in onda reportage e radiodrammi.
Tiliment – Tagliamento tra arte e scienza è promosso dal Comune di Codroipo, in occasione della Fiera di San Simone, con il patrocinio di: Regione Friuli Venezia Giulia, CeVI, Ecomuseo delle Acque del Gemonese, Tagliamento.org e il sostegno della Cantina Pitars.
Dal 6 al 9 marzo 2025 a Morbegno, presso il Chiostro S. Antonio, la mostra Amazzoni, a cura della scultrice Martina Fontana
Testo a cura di Giovanna Brambilla Foto di Daniela Pellegrini
Indossare cicatrici. È in questo gesto che la pratica dell’artista Martina Fontana incontra il vissuto e l’esperienza del gruppo “Amazzoni” fondato nel 2008 dalla Dott.ssa Patrizia Franzini, che supporta chi sta vivendo un percorso di malattia oncologica al seno. Elemento centrale del progetto è la scultura collettiva/scudo, realizzato attraverso una serie di incontri e un workshop. Sulla sua superficie prendono forma le riproduzioni di nodi e tagli campionati da alberi presenti sul territorio che le Amazzoni hanno scelto e catturato. Indossare cicatrici. È in questo gesto che la pratica dell’artista Martina Fontana incontra il vissuto e l’esperienza del gruppo “Amazzoni” fondato nel 2008 dalla Dott.ssa Patrizia Franzini, che supporta chi sta vivendo un percorso di malattia oncologica al seno. Elemento centrale del progetto è la scultura collettiva/scudo, realizzato attraverso una serie di incontri e un workshop. Sulla sua superficie prendono forma le riproduzioni di nodi e tagli campionati da alberi presenti sul territorio che le Amazzoni hanno scelto e catturato.
Questo oggetto, ideato da Martina Fontana, non solo protegge le donne ritratte nelle foto all’interno della mostra, ma rappresenta anche la loro capacità di rigenerarsi e rinascere dopo la malattia. Gli alberi, infatti, sono noti per la loro capacità di guarire le ferite e continuare a crescere, simboleggiando la resilienza e la forza.
“Insieme abbiamo lavorato sull’immagine e sul significato profondo delle cicatrici, visibili e invisibili. I calchi dei nodi degli alberi sono stati assemblati in un’unica scultura a forma di scudo con il quale ogni Amazzone ha scelto come rappresentarsi in relazione al proprio corpo e al proprio vissuto.” racconta Martina Fontana.
“La fotografia, in questo contesto, è uno strumento terapeutico e un rituale potente. L’atto di farsi ritrarre nude, vedendo ciò che si ha più paura di vedere, può essere un modo per “ritrovarsi” superando frammentazioni interne e promuovendo un’accettazione profonda in una sorta di ricostruzione dello sguardo. I corpi diventano mappe e paesaggi del dolore e della rinascita.”racconta Daniela Pellegrini. Corpi nudi, semplici e reali, si mostrano o si nascondono, si fanno scudo e si sostengono tra loro, divenendo un corpo unico che attinge alle energie primordiali degli elementi e ad una forza interiore più segreta e sotterranea.
All’interno della mostra l’installazione 19 stelle celebra la forza del gruppo come punto di orientamento e guida per tutte le donne che ne fanno parte. I nodi argentei seguono la disposizione degli astri che compongono la costellazione di Orione, il gigante con lo scudo. Il dolore cede il passo alla bellezza, la luce e la forza delle compagne segnano una strada luminosa da percorrere verso la rinascita.
Naked. Behind the mirrorNaked, è una mostra di Silvia Rastelli curata da Luciano Bolzoni e Fortunato D’Amico. Silvia Rastelli, figlia d’arte e originaria di Piacenza, ha ereditato la passione per l’arte dal padre scultore, trascorrendo la sua infanzia nella sua bottega. Questo ambiente ha plasmato la sua formazione artistica, che si snoda tra la pittura e la danza, culminando in una laurea in Pittura e successivamente in Area del Contemporaneo all’Accademia di Brera di Milano. L’arte di Silvia Rastelli è un ponte tra il passato e il presente, un dialogo costante tra il “Io” e il “Noi”. Il legno, materiale prediletto del padre, diventa la tela per raccontare storie personali, ma sempre in dialogo con la società e le sue relazioni. I suoi ritratti, che interpretano i volti come aree geografiche emerse dall’inconscio, sono simboli di liberazione dai pregiudizi e dall’intolleranza razziale, come sottolineato da Fortunato D’Amico. “Naked. Behind the Mirror” esposta presso la sala Bipielle Arte di Lodi rappresenta un momento di profonda introspezione per l’artista. Silvia Rastelli si mette a nudo, esplorando la propria sfera personale e ponendola in relazione con la collettività. Questo percorso artistico è un viaggio attraverso uno specchio magico verso il cambiamento, senza perdere se stessa. L’arte diventa uno strumento di scoperta e di espressione, come sottolinea Luciano Bolzoni. L’ approccio multisensoriale, coinvolge tutti i sensi: olfatto, vista, gusto, tatto, udito e propriocezione. In collaborazione con il musicista Denny Cavalloni, Silvia Rastelli crea un’esperienza sensoriale che invita il visitatore a interagire con il mondo circostante e a sperimentare nuove prospettive. Questo gioco di specchi riflette il “noi”, mettendo in luce il sé e l’altro in un’esperienza unica e coinvolgente.
Pensare Globalmente Agire Localmente 