MegaMuseo di Aosta dal 23 luglio al 18 ottobre 2026
Un’imponente gigantografia retroilluminata, alta quattro metri, accoglie lo sguardo trasfigurando il ritratto in un’apparizione siderale. La figura si amplifica e si perde nel mito: la pelle diventa una porzione di volta celeste, dove i nei si trasformano in coordinate astronomiche, capaci di tradurre l’esperienza del singolo in un sapere universale e cosmico. Nel profilo, che evoca la grazia della Venere di Milo, risuona un’eco classica perfettamente integrata nell’estetica contemporanea.
La divinità si manifesta così come trasfigurazione del cielo, astro lucente della notte e chiarore del mattino sull’orizzonte marino, sovrana del firmamento e custode delle acque. Simbolo assoluto di arte, armonia e desiderio, nel IV secolo a.C. la dea venne immortalata da Apelle mentre emergeva dall’oceano strizzando i capelli bagnati. Un’immagine che ha consegnato alla cultura occidentale l’archetipo della nascita dal grembo primordiale, il luogo sacro dove la terra e l’immensità del mare si fondono sotto il suo eterno dominio.
Grazie a un’inversione cromatica digitale, un blu profondo e magnetico sottrae il corpo alla forza di gravità. L’anatomia stessa si fa matrice di un logos predittivo, un territorio di confine in cui convergono biografia personale, infinito e sostanza umana. In questa monumentalità, la memoria ancestrale incontra il destino: ogni minima traccia cutanea diventa la prova di un’appartenenza a un ordine superiore, a profondità celesti ancora tutte da esplorare.
MegaMuseo di Aosta dal 23 luglio al 18 ottobre 2026
Con We Mark, Grazia Toderi proietta sul suolo del MegaMuseo una complessa cartografia tracciata da strumenti di misurazione. I fasci di luce colpiscono i resti archeologici e assecondano le irregolarità del terreno, insinuandosi nelle cavità dei pozzi e lasciando l’impronta tangibile di un posizionamento, l’atto preciso di dichiarare un luogo.
Mentre nell’installazione originaria erano i visitatori a intercettare i raggi modificando l’immagine con le proprie ombre, qui la dinamica si sposta. Il pubblico osserva l’opera dalle passerelle e lascia che siano le pietre stesse, gli avvallamenti e i segni degli antichi scavi a interrompere la proiezione, rimodellandola secondo l’anatomia del sito.
Questo intervento luminoso fa dialogare due forme diverse di scrittura. La prima è quella storica, impressa dalle comunità del passato che hanno inciso, disposto e orientato gli elementi di questo spazio. La seconda è immateriale e temporanea, fatta di pura luce e legata ai dispositivi con cui la società contemporanea mappa il territorio e scruta la volta celeste. Al centro di questo reticolo spicca il mirino, un simbolo dalla forte ambivalenza: se da un lato evoca il controllo, il bersaglio e la guerra, dall’altro – se unito al telescopio, al goniometro o alla bussola – si trasforma in una guida per cercare stelle, pianeti e nuove direzioni. L’opera diventa così una profonda riflessione sul conflitto che abita la natura, il cosmo e l’esistenza umana, suggerendo la possibilità di trasformare quella stessa tensione in una lotta generatrice di vita.
MegaMuseo di Aosta dal 23 luglio al 18 ottobre 2026
La monumentale Stella per purificare le parole di Gilberto Zorio si posa sul terreno del MegaMuseo con tutta la gravità e la consistenza della terracotta nera. Spogliandosi della sua natura di astrazione astronomica, la forma celeste acquista qui un peso reale, fatto di superfici rugose, fenditure profonde e vibranti variazioni della materia.
Collocata accanto alle preesistenze archeologiche del sito, l’installazione introduce una potente energia focalizzata sul linguaggio, sul bisogno viscerale di restituire forza ed efficacia a parole ormai logorate dall’uso quotidiano. L’opera gioca con la percezione e il tempo: il fosforo impiegato trattiene la luce, permettendo alla scultura di prolungare la propria presenza ben oltre la dimensione visibile. Così, l’alternanza tra illuminazione e oscurità ne ridisegna continuamente i contorni, rivelando tracce nascoste in un ciclo perpetuo di apparizioni e persistenze. L’alcool rimanda invece al fuoco, alla metamorfosi alchemica e al vero e proprio rito di purificazione evocato dal titolo.
La grandiosità della stella dialoga con lo spazio circostante, accompagnando il cammino dei visitatori lungo la passerella. Questo antico segno cosmico si inserisce tra i reperti e le impronte lasciate dalle civiltà passate, creando un ponte ideale tra l’osservazione del cielo, la memoria della terra e le tensioni del nostro presente. In questo contesto, purificare le parole assume un significato profondo: significa restituire alla comunicazione il suo valore di orientamento, riconnettendola alla responsabilità dell’azione e alla materia originaria da cui ogni espressione prende vita.
Castello Gamba di Châtillon dal 23 luglio al 18 ottobre 2026
Nell’oscurità della sala, un profilo si staglia nitido, catturato da un unico filo di luce. È la silhouette atletica di Orione che, in perfetto equilibrio, solleva una lunga lancia verso il cielo fino ad afferrare una stella.
In questa opera, Angelo Bonello reinterpreta il leggendario cacciatore del mito traducendo il suo vigore in un gesto tanto poetico quanto inaspettato. In quel singolo segno si annulla ogni distanza: il traguardo tanto inseguito si fa intuizione, conoscenza profonda, promessa. Il gigante si riscopre così pescatore del firmamento, simbolo eterno del desiderio umano di spingersi oltre i confini terrestri per accogliere l’immensità del cosmo nell’orizzonte di tutti i giorni.
Sospeso tra la terra e l’infinito, l’eroe vive nella tensione dell’azione e nella certezza che ogni vuoto sia l’inizio di una nuova esplorazione. Nel frattempo, l’omonima costellazione continua a dominare il cielo d’inverno. Il suo profilo è inconfondibile grazie ai tre astri allineati della Cintura, mentre Betelgeuse e Rigel ne tracciano i confini illuminando lo spazio con intensità opposte. Gli antichi videro in quel disegno un uomo consegnato all’eternità dopo la morte.
Da allora, questa figura attraversa il tempo e le generazioni, in un perfetto equilibrio tra epica, orientamento e astronomia. Un eroe che incarna l’archetipo stesso della rinascita, capace di attraversare il buio per conquistare la sua immortale dimora celeste.
Michelangelo Pistoletto e Fortunato D’Amico firmano il testo dedicato alla nascita della “Treccia della Pace Preventiva”, evoluzione simbolica del Terzo Paradiso. La Treccia viene presentata come immagine di connessione tra differenze, metodo di relazione e pratica collettiva capace di trasformare il conflitto in equilibrio condiviso, rendendo la Pace Preventiva un’azione concreta della vita sociale.
Fortunato D’Amico
Michelangelo, questo testo nasce da una tua necessità precisa. Da tempo cerchi di spiegare come realizzare la Pace Preventiva in modo che possa essere da chiunque concretamente compresa. A un certo punto hai avuto l’intuizione di rappresentare il simbolo del Terzo Paradiso con una Treccia fatta di tre fili che si intrecciano e si relazionano tra loro. È così che nasce l’immagine della Treccia per la Pace Preventiva.
Michelangelo Pistoletto
Sì. A un certo punto ho capito che era indispensabile rendere comprensibile il funzionamento della Pace Preventiva. Il simbolo del Terzo Paradiso conteneva già in sé questo principio, ma con la Treccia esso diventa comprensibile e praticamente attuabile. Tre fili che si intrecciano, si toccano, si organizzano, si sostengono a vicenda e continuano a esistere insieme. La Pace Preventiva allora non è più soltanto un concetto teorico. Diventa una realtà pratica.
Fortunato D’Amico
Praticata, certo. Quindi la filosofia diventa pragmatica. Pensare, fare, vedere, osservare. Il pensiero entra dentro l’azione.
Michelangelo Pistoletto
La filosofia del fare. La filosofia che nasce dal filo del fare e che porta alla pragmatica.
Fortunato D’Amico
Che porta al fare.
Michelangelo Pistoletto
Sì. Negli incontri pubblici mi chiedevano continuamente che cosa fosse la Pace Preventiva e come si potesse realizzare veramente. E mi rendevo conto che serviva una forma capace di renderla visibile. Quindi ho capito che dal Terzo Paradiso poteva nascere una Treccia. Tre gomitoli. Tre fili che si intrecciano e diventano un solo corpo partendo ciascuno da uno dei tre cerchi. E così che improvvisamente il concetto diventava comprensibile, comunicabile e praticabile.
Fortunato D’Amico
La treccia mi fa pensare alla società come a un tessuto. Fili che si intrecciano e che, insieme, costruiscono qualcosa. Ogni filo mantiene la propria presenza ma entra in relazione con gli altri.
Michelangelo Pistoletto
Sì. Il tessuto è fatto di ordito e trama, e contiene un processo di intrecci. La Treccia, per me, nasce direttamente dai tre cerchi del Terzo Paradiso. Ed è importante perché la Treccia accompagna la storia umana da sempre in ogni parte del mondo. È stata realizzata con i capelli, sul corpo, nella vita quotidiana. In questo senso è anche una forma di relazione personale e sociale resa visibile e praticata in senso rituale. La treccia mostra che elementi differenti possono entrare in rapporto continuo producendo qualcosa che prima non esisteva. Questo è il principio della creazione socialmente vissuto.
Fortunato D’Amico
E il filo centrale allora che cosa rappresenta?
Michelangelo Pistoletto
Il metodo. La legge. L’organizzazione della relazione. Nella Treccia della Pace i due fili laterali rappresentano le differenze, gli opposti, le tensioni estreme. Il filo centrale impedisce che il rapporto degeneri nella distruzione reciproca. Per questo la Pace Preventiva impedisce il sorgere della guerra. Anche la guerra nasce da una relazione tra opposti. Ma nella guerra una parte elimina l’altra, una cresce annullando l’altra. Nella Treccia invece i fili continuano a esistere tutti e tre. Nessuno scompare.
Fortunato D’Amico
Quindi il centro del simbolo diventa il luogo dove la relazione prende forma.
Michelangelo Pistoletto
Esatto. Nel centro avviene sempre qualcosa di nuovo. Ma quel qualcosa deve essere organizzato. Ed è qui che il pensiero passa all’azione. Il filo centrale intreccia continuamente i due fili esterni e crea una struttura stabile. Questa struttura è il modello della Pace Preventiva.
Fortunato D’Amico
Mi viene in mente il riferimento al sistema dello sport che abbiamo identificato con il libro Unity of Sports for Preventive Peace. Gli opposti si confrontano ma dentro una regola condivisa.
Michelangelo Pistoletto
Infatti lo sport è un esempio fondamentale. Esiste una legge che permette il confronto senza distruzione. La competizione continua a esistere, ma viene regolata. Nessuno deve eliminare l’altro per vincere. La Pace Preventiva funziona nello stesso modo ed estensivamente nell’intera organizzazione dell’attività umana. Fortunato D’Amico La linea centrale allora potrebbe essere come la linea della palla al centro del campo. Michelangelo Pistoletto Sì, proprio come descrivo il Terzo Paradiso in senso sportivo, paragonandolo a un campo di calcio: la palla al centro permette alle due squadre di confrontarsi nella partita e dare ciascuna il meglio di sé per una comune vittoria.
Fortunato D’Amico
E la cosa interessante è che ogni filo mantiene la propria identità anche dentro l’intreccio.
Michelangelo Pistoletto
Esatto. La differenza non viene cancellata. Resta visibile. Questo è fondamentale anche nel concetto di Love Difference. Le differenze devono restare vive. Senza differenze non esisterebbe nessuna creazione nuova. Il problema nasce quando una differenza vuole dominare o eliminare l’altra.
Fortunato D’Amico
Quindi la treccia è una forma di equilibrio.
Michelangelo Pistoletto
Di equilibrio dinamico. Perché i fili restano sempre in movimento. Ed è qui che entra anche il rapporto tra natura e artificio. Il Terzo Paradiso nasce proprio per mettere in relazione il paradiso naturale e quello artificiale. Oggi viviamo su un pianeta precipitosamente trasformato dall’essere umano. Per questo abbiamo bisogno di assumere con urgenza una responsabilità totalmente nuova.
Fortunato D’Amico
E quindi anche l’intelligenza artificiale rientra in questo discorso. Michelangelo Pistoletto Certamente. L’intelligenza artificiale può diventare uno strumento di equilibrio oppure di distruzione. Dipende dal metodo che la guida. Dipende dal filo centrale. Fortunato D’Amico Mi colpisce anche un’altra cosa. Presi singolarmente, i fili possono spezzarsi facilmente. Intrecciati invece diventano una corda resistente.
Michelangelo Pistoletto
Sì. La forza nasce dalla relazione.Vale per gli individui, per le comunità, per le istituzioni, per la politica. La Treccia rende visibile il fatto che la relazione produce struttura, continuità e responsabilità reciproca.
Fortunato D’Amico
E questa immagine ci aiuta anche a capire il tema della memoria. Le tracce si intrecciano continuamente.
Michelangelo Pistoletto
L’intreccio delle tracce. Ogni esperienza lascia una traccia e ogni traccia entra in relazione con le altre. La Treccia diventa quindi una forma del pensiero, una pratica della memoria e una struttura della relazione sociale.
Fortunato D’Amico
E ci riporta anche al modo in cui oggi funziona l’intelligenza artificiale. Anche lì esiste un intreccio continuo di relazioni, connessioni, dati, memorie, possibilità. La differenza è che qui l’intreccio resta affidato alla responsabilità umana. La Pace Preventiva diventa quindi una pratica cosciente delle relazioni, un metodo per organizzare le differenze senza trasformarle in conflitto.
Michelangelo Pistoletto
Esatto. La Treccia rende visibile e pratico ciò che prima riuscivamo soltanto a immaginare.
L’ APOKÁLYPSIS DI MAX FALSETTA SPINA A TIMES SQUARE
Max Falsetta Spina porta “Apokálypsis” nel cuore pulsante di Times Square, su uno degli schermi più iconici del pianeta, campo di sperimentazione artistica dove arte, cinema e intelligenza artificiale si incontrano. Dal 13 al 15 maggio 2026, all’altezza tra 7th Avenue e 42nd Street, un teaser di 20 secondi del suo nuovo cortometraggio invade il flusso visivo della comunicazione pubblicitaria globale, interferendo con esso e riconfigurandolo con un apropria narrativa Per Max Falsetta Spina “Apokálypsis” è un processo di rivelazione di ciò che era nascosto e ora diventa visibile. Attraverso immagini ad alta intensità evocativa, l’opera affronta i temi del potere, della percezione e della realtà, attraversata da archetipi e simboli universali. Numeri e figure assumono valore concettuale. Il nuemro dela Bestia, 666, è la manifestazione sistemica del potere, mentre i quattro cavalieri (guerra, carestia, conquista e morte) appaiono come condizioni permanenti della storia umana. La Bestia è una struttura invisibile, strumento di consenso che invade la società dei media. Il progetto si articola su due livelli: il teaser di 20 secondi, pensato specificamente per i grandi billboard digitali Dooh e un cortometraggio di 6 minuti che ne sviluppa la trama visiva in forma compiuta. L’intera opera è realizzata con intelligenza artificiale, a partire da prompt originali e da una precisa regia di inquadrature, tempi e atmosfere.
L’AI viene utilizzata strumento di un linguaggio profondamente autoriale, in continuità con il percorso artistico di Falsetta Spina, scenografo e fotografo. Si riconoscono l’attenzione alla composizione, la cura della luce, la costruzione dello spazio e un respiro cinematografico costante. La scelta di Times Square è parte integrante del concep critico con cui è costruita l’opera. In un luogo-simbolo della sovrapproduzione di immagini e della pressione pubblicitaria, Apokálypsis è una frattura, un’interferenza che rompe la continuità del messaggio commerciale e diventa così un campo di tensione tra consumo e visione, tra intrattenimento e rivelazione, invitando lo spettatore urbano a un gesto inatteso: alzare lo sguardo e interrogare ciò che vede. Dopo New York, il progetto proseguirà a Milano nell’autunno 2026, con una mostra in una location di forte impatto. Qui il cortometraggio sarà affiancato da una trentina di scene tratte dal film, trasformate in tele.
Il passaggio dal flusso luminoso del display alla fisicità della pittura sposta il dialogo dall’immagine digitale all’opera materica, accentuando la percezione del rapporto tra movimento e la sua fissazione e amplificando i significati che si generano tra visione pubblica ed esperienza ravvicinata.Apokálypsis si inserisce all’interno di Over The Rainbow, piattaforma internazionale ideata da Max Falsetta Spina che esplora i circuiti Dooh come nuovi spazi espositivi per l’arte contemporanea, ridefinendo i confini tra ambito pubblicitario e ricerca artistica. “L’Apocalisse non è la fine del mondo” dichiara l’artista. “È la fine dell’illusione. È il momento in cui ciò che è nascosto diventa visibile.
Alberto Fortis si racconta ai microfoni di Slash Radio Web in un’intervista che è un attraversamento emozionale e lucido di una carriera lunga e coraggiosa, fatta di musica, poesia e inesauribile desiderio di evoluzione. Durante l’incontro, Fortis condivide aneddoti personali e momenti indimenticabili del suo percorso professionale, alternando memoria e presente con la naturalezza di chi ha sempre vissuto la musica come forma di verità. Dai primi esordi alla maturità creativa dell’ultimo album, ogni parola è portatrice di una sincerità, diretta, concreta, necessaria. Per lui la scrittura è ancora oggi il luogo della sperimentazione, il laboratorio alchemico della visione e del suono, il territorio in cui praticare la libertà espressiva. E come sempre, nei suoi racconti, il confine tra musica e vita si dissolve, lasciando emergere il gesto artistico nella sua autenticità più profonda. Il nuovo album, composto da otto tracce, ognuna delle quali è accompagnata da un video d’autore, è un prodotto intenso, pieno di energia, la stessa delle origini, che ancora oggi, a 70 anni appena compiuti, lo spinge a scrivere, suonare, creare un processo in cui l’emozione si rinnova senza discontinuità temporale anche nei concerti dal vivo. Un lavoro visivo e musicale che Fortis cura nel dettaglio, mettendo in scena, oltre alla scrittura della canzone, il suo secondo grande amore: la fotografia e il linguaggio dell’immagine, da sempre al centro della sua Intuizione estetica. I video realizzati sono tutti una piccola opera, estensione poetica della musica, come nel brano Shopping con Alanis, ironico e surreale, intimo e teatrale, sospeso tra ritmo e riflessione fantastica sulla realtà contemporanea che ha superato l’irreale. Per Alberto Fortis creare significa costruire un insieme coerente in cui note, gesti, immagini e parole trasmettono contenuti ritenuti essenziali alla vita individuale e collettiva e all’elevazione spirituale degli esseri umani. Questa consapevolezza è segnata da un costante impegno sociale profuso come ambasciatore di diverse organizzazioni non profit, tra cui i City Angels, associazione milanese che fornisce sostegno concreto alle persone senza dimora. La sua è una presenza attiva, orientata alla relazione diretta e al supporto quotidiano. Da ricordare la recente collaborazione con Michelangelo Pistoletto e Cittadellarte, che introduce un ulteriore ambito d’azione, la promozione della Pace Preventiva, declinata in forma progettuale e operativa. In questo contesto si intrecciano grammatiche visive e pratiche sociali. La conversazione in diretta su Slash Radio Web evidenzia una continuità mai interrotta tra espressione e comportamento. Le sue affermazioni coincidono con le sue scelte operative. Ogni elemento risulta funzionale a una linea di condotta basata sulla partecipazione e sulla responsabilità. Un’intervista intensa, appassionata e viva, che restituisce la voce di un artista che non ha mai smesso di guardare il mondo con stupore e di restituirlo nelle forme intrecciate di più linguaggi poetici.
Azelio Corni. Al riparo dal cielo “Al riparo dal Cielo” è una raccolta di lavori iniziati nel 2004 in cui ricorre la forma della volta, che richiama il concetto di casa e di focolare. Azelio Corni affronta questo tema con uno sguardo quasi primitivo, in sintonia con il suo profondo interesse per ogni sfaccettatura del mondo arcaico. Decifrare l’universo primitivo non è semplice: spesso lo si approccia con una rigidità mentale fatta di schemi ideologici freddi e preconfezionati, che bloccano invece di liberare. Al contrario, nelle opere di Corni, i simboli e le intuizioni sprigionano un’energia incandescente e magmatica.
Le sue imponenti strutture architettoniche racchiudono il senso primario della vita e della morte. Il nero, scelto come unico colore, si trasforma in un’emozione pura, capace di condurre verso l’infinito.
Tema centrale dell’intera produzione di Azelio Corni è il dialogo Uomo – Natura. Una Natura interpretata come spazio di libertà e strumento di elevazione dell’Uomo, che si traduce in interpretazione architettonica delle forme. La rappresentazione della Natura diventa lo specchio attraverso cui l’essere umano riflette le sue passioni, la sua visione del mondo e il senso stesso della sua esistenza. Una sorta di “Paesaggio – Stato d’animo” contemporaneo, che riassume con chiarezza l’essenza di un itinerario dalle infinite diramazioni. Un viaggio, quello attraverso le opere monumentali di Corni, che tratteggia non solo il volto della Natura, ma anche quello dell’Anima, perché la meta è sempre il cuore dell’uomo che oscilla costantemente tra i poli di Ragione e Tragedia, pilastri fondanti della nostra civiltà.
Azelio Corni ha creato le sue opere per guidare l’anima oltre la dimensione terrena, in un orizzonte trascendente e segreto.
Le opere esposte sono visioni mastodontiche, definite da una pittura minimale e potentissima. Sono forme che sembrano emergere da antichi strati della coscienza collettiva, cariche di simbolismo e tensione. I volumi, quasi architettonici – Corni era particolarmente legato all’architettura e l’amava -, racchiudono lo spirito umano, come gusci sacri. Non c’è decorazione: solo materia, forma, e la ricerca costante dell’anima. «L’arte di papà è tribale, ma non arcaica; contemporanea, ma mai fredda. Si colloca in quello spazio sospeso in cui l’essere umano si confronta con i grandi interrogativi dell’esistenza, tra la razionalità̀ e il caos, la struttura e l’abbandono». L’allestimento è suggestivo e sembra fatto apposta per la prima scuderia del castello vigevanese, i canti mongoli gutturali di sottofondo rendono il tutto carico di pathos incutendo quasi una religiosità̀ dell’arte.
Articolo di Caterina Corni
Breve bio dell’artista
Originario di Sesto Calende (VA), Azelio Corni (1948 – 2023) ha conseguito la laurea in pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Brera. Ha insegnato Comunicazione Visiva all’Accademia A.C.M.E. di Novara (NO) e Discipline Pittoriche presso il Liceo Artistico di Busto Arsizio (VA). Ha operato nel campo delle arti visive, partecipando a numerose mostre personali e collettive in Italia e all’estero (Stati Uniti, India, Giappone, Kingdom of Bahrain). Le sue opere sono state acquisite da istituzioni pubbliche e private e da Istituti di credito, tra cui UBI Banca.
Azelio Corni. Al riparo dal Cielo Vigevano, Prima Scuderia del Castello Inaugurazione: giovedì 17 aprile Apertura: 18 aprile – 18 maggio 2025 Orari: venerdì, sabato e festivi: dalle 10 alle 19 da martedì a giovedì: dalle 15 alle 18
Per informazioni e visite guidate per gruppi o scuole contattare: 331 8887605
Li Fangyuan. Fiori di Cotone Rosso: un Ponte tra Tradizione e Modernità Fortunato D’Amico
La magia del futuro nei paesaggi culturali della Cina
Li Fangyuan, nato nel 1930 nel quartiere di Dinghu della città di Zhaoqing, nella regione del Guangdong, è stato un artista sostanzialmente legato alla sua terra e al retaggio culturale cinese. Cresciuto in un contesto pedemontano e in una famiglia che valorizzava l’istruzione, ha sviluppato fin da piccolo un amore estremo per il paesaggio natio, che ha trovato espressione naturale nella sua pittura. La sua formazione ha inizio presso la Scuola Tecnica Normale di Canton (Guangzhou, nota anche come Yangcheng, il cui simbolo è il fiore di cotone rosso, dove ha studiato a fondo gli stili pittorici delle dinastie Song, Yuan, Ming e Qing). Successivamente, ha avuto la fortuna di essere allievo del maestro Li Shouzhen, a sua volta discepolo di figure di spicco della Scuola Lingnan. Un incontro che ha segnato un punto di svolta nella sua carriera, guidandola verso direzioni originali. La Scuola Lingnan è un movimento artistico che ha influenzato grandemente la pittura non solo cinese ma anche nipponica. È considerata uno dei principali movimenti artistici della pittura cinese del XX secolo. La sua importanza si è estesa sia in Oriente che in Europa, contribuendo alla rinascita dell’arte figurativa cinese. Li Fangyuan ha ereditato dal suo maestro i principi della Scuola Lingnan, adottando un approccio innovativo, evidente nelle oltre mille opere realizzate nella sua vita. Le sue immagini con i fiori di cotone rosso, simbolo di Canton (in cinese Guangzhou), sono un esempio di come l’artista osservasse la natura e la decifrasse in codici e lemmi di allegorie visive riferite alla stagione gioiosa della primavera. Ogni anno, tra marzo e aprile, questi alberi si ricoprono di fiori e foglie, assumendo un aspetto maestoso che comunica una forte energia e vitalità. I fiori di cotone rosso, vividi e grandi, catturano lo sguardo con il loro colore acceso.
Moderno cantore di Yangcheng, ha trasferito il proprio vigore spirituale sulla tela attraverso specifici e ingegnosi espedienti: colpi di pennello brevi ma coordinati per esprimere un’idea, uso di poche tracce e di elementi minuscoli interconnessi tra loro per generare dinamismo. Queste procedure, sapientemente combinate, creano un forte impatto emotivo. Il cotone rosso acquerellato da Li Fangyuan assume così una personalità distintiva, turgidamente inchiostrata. Gli strati cromatici sono identificabili ma fusi insieme esprimono forza e grazia. Nella pioggia d’inchiostro delle sue tele si percepiscono una potenza e una vitalità antiche, scaturenti dall’armoniosa unione di tratto, inchiostro, colore ed acqua. Il risultato è un’esplosione di vitalità che celebra la rinascita della natura, in cui traspare la completa padronanza dei sistemi pittorici storicamente sviluppati in Cina e una grande sensibilità nella traduzione attualizzata dei soggetti illustrati. In un dipinto in cui il tema sono i fiori gialli, la fluidità delle campiture e l’equilibrio cromatico tra il giallo acceso e il blu-verde scuro creano un’armonia elegante, seppur con una composizione non perfettamente simmetrica, tipica di un punto di vista più coerente alla situazione odierna. Il polittico con uccelli e fiori rossi mostra una maggiore dinamicità, con pennellate rapide che suggeriscono movimento, contrapposte alla staticità dei fiori, creando un ritmo di calibrata tensione visiva.
In altre raffigurazioni, più volte Li Fangyuan ritrae un gallo con macchie ampie e sicure ma più leggere per descrivere il contesto circostante con un’atmosfera serena e intima. L’artista utilizza la pittura come un pianista che suona il pianoforte, alternando segni decisi ad altri più leggeri, creando una consonanza visiva che risuona con la stessa profondità emotiva di una melodia suonata con maestria sulla tastiera. In tutte le sue produzioni, la semplificazione delle forme e la maestria nell’uso dell’inchiostro e del colore sono evidenti, componendo scene animate da un grande impatto visivo. L’artista ha prediletto l’utilizzo di pennelli realizzati con coda di cavallo selvatico, una scelta che gli ha consentito di ottenere un tratto particolarmente vivace e dinamico. Ha lavorato prevalentemente su carta cotta, un materiale che ha contribuito a mantenere una sensazione di vibrante umidità, sviluppando varianti originali della tecnica della “collisione acquea”, intervenendo sul colore con l’acqua per espanderlo prima che si asciugasse. Questo processo, apparentemente semplice, ha permesso a Fangyuan di creare effetti cromatici unici e intensi. L’estetica della sua arte annota e trasfigura la realtà, animando nello spettatore l’esigenza di un ulteriore avvicinamento contemplativo alla dimensione interiore e spirituale. La calligrafia presente nei dipinti, riporta frasi evocative e poetiche, e arricchisce il significato complessivo dell’opera, aggiungendo un’ulteriore fonte di stimolo e di curiosità.
Pittura e resilienza culturale nell’opera di Li Fangyuan
Gli anni ’50 hanno rappresentato un periodo di grandi difficoltà per Li Fangyuan. Come ha evidenziato Stefano Giovannini, l’artista è stato accusato ingiustamente di essere un oppositore del regime durante la campagna contro gli “elementi di destra”. “Quello era un periodo di caccia alle streghe”, ha affermato Giovannini, sottolineando l’ingiustizia subita dall’artista. Tale accusa, seppur infondata, ha avuto conseguenze dirette sulla sua vita. Li Fangyuan ha perso il suo posto di lavoro accademico, vedendo compromessa la sua posizione. Tuttavia, non si è arreso. Ha aperto un proprio studio privato, dove ha continuato a trasmettere le sue competenze a un piccolo gruppo di allievi. Questo studio è diventato un rifugio intellettuale, un luogo dove preservare la tradizione pittorica cinese in un periodo di repressione. “Fangyuan non era interessato alla politica”, ha spiegato Giovannini, sottolineando che si trattava di un artista che si esprimeva attraverso la pittura e che ha trovato nell’insegnamento una forma di resistenza culturale. Li Fangyuan non ha mai realizzato opere antigovernative. La revoca del suo titolo di docente è stata poi rivista, e le autorità probabilmente lo hanno ritenuto non pericoloso. La carriera di Li Fangyuan è costellata di attestazioni di merito.
Nel 1995, ha ricevuto il Premio “Per una vita dedicata alla pedagogia” da parte del Comune di Canton. Questo riconoscimento, come evidenziato in precedenza, è arrivato in un periodo congiunturale diverso. ma di grande valore anche se circoscritto a livello locale. Negli anni, ha tenuto numerose mostre, tra cui la sua prima personale nel 1982 al mercato floreale del quartiere di Yuexiu, e un’altra all’Accademia di Pittura del Guangdong nel 2008. Nel 2012, ha collaborato alla pubblicazione di una raccolta di lavori calligrafico-pittorici per celebrare il centenario della biblioteca della città di Zhongshan. Il suo impegno ha iniziato ad essere stimato con ammirazione anche al di fuori della Cina, grazie alla figlia minore, Li Luyun. Con una determinazione che ricorda quella del padre, Li Luyun tramite l’Associazione Pedone fondata da Li Zhiying ha organizzato mostre in Italia, superando le iniziali resistenze delle sorelle maggiori, che consideravano le opere del padre un patrimonio familiare da proteggere. Sono recenti le mostre di Li Fangyuan in diverse gallerie italiane, tra cui quella ospitata nel 2022 dalla Galleria Casa di Dante a Firenze e dal titolo “Colori indelebili”. Questa iniziativa ha permesso di far conoscere l’opera di Li Fangyuan a un pubblico internazionale, aprendo nuove prospettive interpretative e di valorizzazione della sua unicità. Nella visione artistica di Li Fangyuan, la relazione tra la storia e la modernità, tra l’espressione artistica e il contesto sociale, risulta fondamentale per arginare gli effetti devastanti di un’epoca globalizzata che in rapida ascesa sta cancellando l’ampia ricchezza di idiomi e linguaggi fioriti nelle diversità espressive di tutti i Paesi del mondo, sostituendo il DNA tipico di ogni territorio con modelli e modalità estranee alle realtà locali. L’opera di Li Fangyuan nel suo insieme costituisce un importante patrimonio da condividere perché dimostra come sia possibile mediare il sapere e la sapienza del passato con il presente, mantenendone viva l’essenza e integrandola a una visione personale del tempo attuale.
Dal 6 al 9 marzo 2025 a Morbegno, presso il Chiostro S. Antonio, la mostra Amazzoni, a cura della scultrice Martina Fontana
Testo a cura di Giovanna Brambilla Foto di Daniela Pellegrini
Indossare cicatrici. È in questo gesto che la pratica dell’artista Martina Fontana incontra il vissuto e l’esperienza del gruppo “Amazzoni” fondato nel 2008 dalla Dott.ssa Patrizia Franzini, che supporta chi sta vivendo un percorso di malattia oncologica al seno. Elemento centrale del progetto è la scultura collettiva/scudo, realizzato attraverso una serie di incontri e un workshop. Sulla sua superficie prendono forma le riproduzioni di nodi e tagli campionati da alberi presenti sul territorio che le Amazzoni hanno scelto e catturato. Indossare cicatrici. È in questo gesto che la pratica dell’artista Martina Fontana incontra il vissuto e l’esperienza del gruppo “Amazzoni” fondato nel 2008 dalla Dott.ssa Patrizia Franzini, che supporta chi sta vivendo un percorso di malattia oncologica al seno. Elemento centrale del progetto è la scultura collettiva/scudo, realizzato attraverso una serie di incontri e un workshop. Sulla sua superficie prendono forma le riproduzioni di nodi e tagli campionati da alberi presenti sul territorio che le Amazzoni hanno scelto e catturato.
Questo oggetto, ideato da Martina Fontana, non solo protegge le donne ritratte nelle foto all’interno della mostra, ma rappresenta anche la loro capacità di rigenerarsi e rinascere dopo la malattia. Gli alberi, infatti, sono noti per la loro capacità di guarire le ferite e continuare a crescere, simboleggiando la resilienza e la forza.
“Insieme abbiamo lavorato sull’immagine e sul significato profondo delle cicatrici, visibili e invisibili. I calchi dei nodi degli alberi sono stati assemblati in un’unica scultura a forma di scudo con il quale ogni Amazzone ha scelto come rappresentarsi in relazione al proprio corpo e al proprio vissuto.” racconta Martina Fontana.
“La fotografia, in questo contesto, è uno strumento terapeutico e un rituale potente. L’atto di farsi ritrarre nude, vedendo ciò che si ha più paura di vedere, può essere un modo per “ritrovarsi” superando frammentazioni interne e promuovendo un’accettazione profonda in una sorta di ricostruzione dello sguardo. I corpi diventano mappe e paesaggi del dolore e della rinascita.”racconta Daniela Pellegrini. Corpi nudi, semplici e reali, si mostrano o si nascondono, si fanno scudo e si sostengono tra loro, divenendo un corpo unico che attinge alle energie primordiali degli elementi e ad una forza interiore più segreta e sotterranea.
All’interno della mostra l’installazione 19 stelle celebra la forza del gruppo come punto di orientamento e guida per tutte le donne che ne fanno parte. I nodi argentei seguono la disposizione degli astri che compongono la costellazione di Orione, il gigante con lo scudo. Il dolore cede il passo alla bellezza, la luce e la forza delle compagne segnano una strada luminosa da percorrere verso la rinascita.
